História do Cubismo

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O cubismo é um movimento artístico, criado por Pablo Picasso e Georges Braque, que emprega formas geométricas em representações de formas humanas e outras. Com o tempo, os toques geométricos tornaram-se tão intensos que às vezes ultrapassavam as formas representadas, criando um nível mais puro de abstração visual. Embora a era mais potente do movimento tenha sido no início do século 20, as idéias e técnicas do cubismo influenciaram muitas disciplinas criativas e continuam a informar o trabalho experimental.

A PRIMEIRA ERA DO CUBISMO

Pablo Picasso e Georges Braque se conheceram em 1905, mas foi só em 1907 que Picasso mostrou a Braque o que é considerado a primeira pintura cubista, Les Demoiselles d'Avignon. Este retrato de cinco prostitutas atrai forte influência da arte tribal africana, à qual Picasso havia recentemente sido exposto no Palais du Trocadéro, um museu etnográfico de Paris.

Quebrando quase todas as regras da pintura tradicional ocidental, a obra foi um grande salto em relação aos períodos anteriores em azul e rosa, que eram muito mais representativos e emocionais. Picasso hesitou em exibir a obra ao público e ela não foi vista até 1916.

Braque, que pintou no movimento fauvista, ficou ao mesmo tempo repelido e intrigado com a pintura. Picasso trabalhou com ele em particular nas implicações da peça, desenvolvendo juntos a forma cubista. Braque é o único artista a colaborar com Picasso e, por um período de dois anos, eles passaram todas as noites juntos, sem que nenhum dos artistas pronunciasse uma obra acabada até o acordo do outro.

A resposta de Braque ao trabalho inicial de Picasso foi sua pintura de 1908 Nude Grande, conhecido por incorporar as técnicas de Paul Cézanne como uma influência moderadora. Assim começou a primeira era do cubismo, conhecido como Cubismo Analítico, que era definido por representações de um assunto de vários pontos de vista ao mesmo tempo, criando um efeito fraturado e multidimensional expresso por uma paleta limitada de cores.

O termo cubismo foi usado pela primeira vez pelo crítico francês Louis Vauxcelles em 1908 para descrever as pinturas de paisagens de Braque. O pintor Henri Matisse já os havia descrito a Vauxcelles como parecidos com cubos. O termo não foi amplamente usado até que a imprensa o adotou para descrever o estilo em 1911.

Em 1909, Picasso e Braque redirecionaram seu foco de humanos para objetos para manter o cubismo atualizado, como aconteceu com Braque Violino e Paleta.

OUTROS PARTICIPAM DO MOVIMENTO CUBISTA

Uma exposição mais ampla trouxe outros para o movimento. O artista polonês Louis Marcossis descobriu o trabalho de Braque em 1910, e suas pinturas cubistas são consideradas mais humanas e com um toque mais leve do que as obras de outros.

O artista espanhol Juan Gris permaneceu à margem do movimento até 1911. Distinguiu-se por recusar tornar a abstração do objeto mais essencial do que o próprio objeto. Gris morreu em 1927 e o cubismo representa uma parte significativa do trabalho de sua vida.

O pintor francês Fernand Léger foi inicialmente influenciado por Paul Cézanne e ao conhecer praticantes cubistas abraçou a forma em 1911, com foco em temas de arquitetura.

Marcel Duchamp flertou com o cubismo no início de 1910, mas muitas vezes foi considerado em desacordo com ele. Sua famosa pintura de 1912, Nu descendo uma escada (Nº 2), reflete a influência, mas apresenta uma figura em movimento. Normalmente nas obras cubistas, o espectador é mais colocado em movimento, já que as perspectivas apresentadas na tela são planos múltiplos, como se o artista estivesse se movendo em torno do assunto e capturando todas as vistas em uma imagem.

A SEGUNDA ERA DO CUBISMO

Em 1912, Picasso e Braque começaram a incorporar palavras nas pinturas, que evoluíram para os elementos de colagem que dominaram a segunda era do cubismo, conhecida como Cubismo Sintético. Esta fase também foi marcada pelo achatamento dos temas e brilho das cores.

Braque experimentou ainda mais a colagem, levando à sua criação da técnica do papier collé, vista em 1912 Prato de frutas e copo, uma mistura de papel de parede colocada dentro do guache. A introdução da colagem ampliou ainda mais a paleta de cores da forma.

Os escultores também exploraram as formas cubistas. O artista russo Alexander Archipenko expôs publicamente pela primeira vez em 1910 ao lado de outros cubistas, enquanto o refugiado lituano Jacques Lipchitz entrou em cena em 1914.

CUBISMO ÓRFICO

Um movimento ramificado denominado Cubismo Órfico centrado no coletivo do Grupo Puteaux. Formado em 1913 pelo pintor francês Jacques Villon e seu irmão, o escultor Raymond Duchamp-Villon (ambos irmãos de Marcel Duchamp), este ramo abrangia tons ainda mais brilhantes e abstração aumentada.

Robert Delaunay é considerado uma representação primária desta ala, compartilhando interesses arquitetônicos semelhantes aos de Leger, que ele aplicou várias vezes a representações cubistas da Torre Eiffel e outras estruturas parisienses notáveis.

Outros membros Roger de la Fresnaye e Andre Lhote viam o cubismo não como uma subversão da norma, mas como uma forma de devolver ordem e estabilidade ao seu trabalho, e encontraram inspiração em Georges Seurat. A pintura mais conhecida de De la Fresnaye, 1913 A conquista do ar, é um autorretrato cubista dele e do irmão em um balão de ar quente.

CUBISMO: PRIMEIRA GUERRA MUNDIAL E ALÉM

A Primeira Guerra Mundial interrompeu efetivamente o cubismo como movimento organizado, com vários artistas, incluindo Braque, Lhote, de la Fresnaye e Léger, sendo chamados para o serviço. De la Fresnaye recebeu alta em 1917 devido à tuberculose. Ele nunca se recuperou totalmente, tentando continuar fazendo arte, mas morreu em 1925.

Em 1917, Picasso voltou à prática de injetar mais realismo em suas pinturas, embora sua recusa em ser reprimido significasse que o cubismo reapareceu em algumas obras ao longo dos anos, como Os três músicos (1921) e A mulher chorando (1937), uma resposta à Guerra Civil Espanhola.

Braque continuou sua experimentação. Seu trabalho posterior contou com elementos do cubismo, embora seja notado por menos rigidez nas abstrações dos temas e usando cores que não refletem a realidade da natureza-morta.

INFLUÊNCIA CUBISTA

Embora o cubismo nunca tenha recuperado seu lugar como uma força organizada no mundo da arte, sua vasta influência continuou em movimentos artísticos como o futurismo, o construtivismo, o expressionismo abstrato e outros.

O cubismo também influenciou outras formas; na literatura, James Joyce, Virginia Woolf, Gertrude Stein e William Faulkner; na música, Igor Stravinsky; em fotografia Paul Strand, Aleksandr Rodchenko e László Moholy-Nagy; no filme Hans Richter e Fritz Lang; bem como design gráfico e cenografia.

Fontes:

Cubismo. Museu Metropolitano de Arte.
História da pintura de Tudor em 1000 reproduções de cores. Robert Maillard, Editor.
A história da pintura. Irmã Wendy Beckett e Patricia Wright.
Art in Time: uma história mundial de estilos e movimentos. Phaidon.
Cubism: A New Vision. Ninón Rodríguez, Miami Dade College.


Como o cubismo mudou durante o século 20?

A história da arte mudou muito no início do século XX. A Primeira Guerra Mundial afetou essa transição e mudou o processo, pois muitos artistas tentaram expressar seus sentimentos de uma maneira diferente durante os tempos de guerra. O cubismo primitivo pode ser encontrado nas obras de Paul Cézanne e sua visão simplificada da natureza em sua arte. Cézanne influenciou ambos Picasso e Braque com sua arte e caminho aberto para o cubismo evoluir.

Picasso'S Les Demoiselles d'Avignon obra de arte abriu uma nova página no cubismo e se tornou a pedra angular para a primeira revolução na arte do século XX. Pinturas produzidas entre 1906-07 dizem ser as primeiras contratações do “pensamento cubista”. Picasso ficou definitivamente impressionado e influenciado por Paulo Cézanne'S Banhistas femininas em uma barraca, com a compostura do assunto e a perspectiva utilizada na obra de arte. Ele então usou essa abordagem em Les Demoiselles d'Avignon enquanto ele criava uma perspectiva diferente usando nus femininos tridimensionais e o espaço bidimensional incluindo ornamentos na sala.

Paul Cézanne, banhistas em frente a uma tenda, 1883-85, Staatsgalerie Stuttgart

Além disso, quando Guillaume Apollinaire (1880-1918) introduzido Picasso para Georges braque que já oprimido pelo Les Demoiselles d'Avignon, em 1907, o cubismo completou seus primeiros passos. Amizade precoce influenciada Braque para produzir a imagem Nude Grande em 1908. Enquanto os pioneiros assumiram a liderança na história do cubismo no ano de 1910, os artistas cubistas se dividiram em dois grupos chamados Galeria cubistas (Braque e Picasso), opostos aos cubistas do Salão (Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, Albert Gleizes e Jean Metzinger). Essa separação foi desencadeada quando Picasso rejeitado para expor em salões para suas obras e Braque seguiu sua decisão depois, também.

Georges Braque, Large Nude, 1907-08, Paris, Musee national d & # 8217art moderne

Os primórdios do cubismo (1906 / 1907-09) desacreditados também por estes dois pintores que mudaram o tema principal nas obras por já não imitar a natureza, mas criar a sua própria realidade. Continuou o cubismo analítico formado por Picasso e Braque. Seus motivos não são apenas retratados de várias perspectivas simultaneamente, mas também são fragmentados em formas menores, que os permitem se tornar partes fixas de um todo físico.

Pablo Picasso, Girl with a Mandolin, 1910, New York, The Museum of Modern Art

Porém, com o início da Primeira Guerra Mundial, a situação dos artistas mudou muito. Muitos artistas daquela época ainda eram jovens e, em sua maioria, convocados para o serviço militar. A comunicação entre eles foi interrompida e o cubismo como estilo artístico independente se perdeu na confusão da Primeira Guerra Mundial.


Cubismo de salão: conceitos, estilos e tendências

Cubismo de Cristal

Durante a Primeira Guerra Mundial, o estilo de Jean Metzinger evoluiu para o que veio a ser chamado de Cubismo de Cristal, que floresceu após a guerra. Visto como parte do "retorno à ordem" da época, o termo "Cubismo de Cristal" se originou com o crítico de arte francês Maurice Reynal. Metzinger Soldado em um jogo de xadrez (1914-15), com seus múltiplos planos de cor simplificados e planos, enfatiza o que o historiador da arte Christopher Green chamou de "qualidades ordenadas" e "pureza autônoma" da estrutura geométrica e abstrata do Cubismo de Cristal. A ênfase no Cubismo de Cristal estava na pintura como um objeto em si, como Green descreveu posteriormente, "uma insistência obstinada no isolamento do objeto de arte em uma categoria especial com suas próprias leis e sua própria experiência a oferecer, uma categoria considerada acima da vida. "

Metiznger, juntamente com Juan Gris, que estivera intimamente associado ao cubismo de Picasso e Braque e aos cubistas de salão, popularizaram esse novo estilo. Funciona como o de Gris Retrato de Josette Gris (1916) usou uma paleta monocromática simplificada com planos geométricos sobrepostos. Leger e Gleizes e outros cubistas de salão, incluindo os escultores Laurens e Lipchitz, também gravitaram em torno do Cubismo de Cristal. Green argumenta que o Cubismo de Cristal foi a forma mais influente que o Cubismo assumiu, escrevendo, "Em termos de uma vontade Modernista de isolamento estético e do amplo tema da separação entre cultura e sociedade, é na verdade o Cubismo após 1914 que emerge como o mais importante para a história do Modernismo. "

Orfismo

Embora o orfismo tenha começado por volta de 1911, quando o trabalho e a teoria de Robert e Sonia Delaunay convergiram com o trabalho de František Kupta, ele foi oficialmente lançado em 1912. Robert Delaunay’s Janelas Simultâneas série (1912-1913) e Kupka's Amorpha: Fugue in Two Colors (1910-1911) exemplificou a abordagem que, como escreveu Delaunay, "dependeria apenas da cor e de seu contraste, mas se desenvolveria ao longo do tempo percebida simultaneamente em um único momento". O poeta e crítico de arte Apollinaire usou pela primeira vez o termo orfismo na Section d'Or de 1912 e, como resultado, o orfismo foi visto como um submovimento, desenvolvido a partir do cubismo. No entanto, Delaunay posteriormente romperia com o Grupo Puteaux e, sentindo que seu Janelas Simultâneas foram um grande avanço artístico, descrito como "o herege do cubismo". Os Delaunay se tornaram os principais praticantes do orfismo e, embora seu trabalho enfatizasse padrões geométricos, muitas vezes em planos fraturados, a cor e não a forma era a base das composições cada vez mais abstratas.

O orfismo influenciou artistas posteriores como Paul Klee em suas formas de cores abstratas e no desenvolvimento da abstração, tanto em seus estilos geométricos quanto líricos. A arte Op de Bridget Riley, Richard Anuskiewicz e Wen-Ying Tsai foi influenciada pela ênfase do orfismo na cor para criar profundidade e movimento. Os trabalhos de design de Sonia Delaunay, baseados nos princípios do orfismo, tiveram um amplo impacto em toda a moda e design de interiores, já que seu idioma órfico se tornou parte da consciência pública.


Arte do cubismo: técnica e # 038 história

Antes do século XX, a arte era reconhecida como uma imitação da natureza. Pinturas e retratos foram feitos para parecerem o mais realistas e tridimensionais possíveis, como se vistos através de uma janela. Os artistas pintavam no estilo fauvismo extravagante.

O pós-impressionista francês Paul Cézannes aplainou naturezas mortas e as esculturas africanas ganharam popularidade na Europa Ocidental quando os artistas começaram a procurar uma nova maneira de mostrar suas idéias e expressar seus pontos de vista.

Em 1907, Pablo Picasso criou a pintura Les Damsoilles d’Avignon, retratando cinco mulheres cujos corpos são construídos com formas geométricas e cabeças de máscaras africanas em vez de rostos.

Essa nova imagem passou a ser conhecida como “cubismo”. O nome originou-se do crítico Louis Vauxcelles, que após rever a exposição do artista francês e companheiro cubista Georges Braque escreveu sobre “Bizzeries Cubiques”, e que os objetos “foram reduzidos a cubos (Arnheim, 1984).

O cubismo mudou a forma como a arte era representada e vista. Picasso, junto com Braque, apresentou um novo estilo de pintura que mostrava o assunto de vários ângulos simultaneamente.

O resultado pretendia mostrar o objeto de uma forma mais completa e realista do que a arte tradicional, para transmitir a sensação de poder se mover dentro da pintura.

“O cubismo abandonou as noções tradicionais de percepção, prenúncio e modelagem e objetivou representar a solidariedade e o volume em um plano tridimensional sem converter a tela bidimensional ilusionalmente em um espaço de imagem tridimensional” (Chivers, 1998).

Picasso e Braque foram os pioneiros do movimento e trabalharam tão próximos que tiveram dificuldade em distinguir seus próprios trabalhos. Eles se referiam um ao outro como Orville e Wilbur, sabendo que suas contribuições para a arte foram tão revolucionárias quanto o primeiro vôo (Hoving, 1999). O cubismo foi dividido em duas categorias.

O cubismo analítico, iniciado em 1907, expôs visualmente o que o artista pensava ser importante sobre o assunto, em vez de apenas imitá-lo. Partes do corpo e objetos dentro da imagem foram divididos em formas geométricas que eram reconhecíveis como cevada como a imagem original. Braque escreveu que “os sentidos se deformam e o espírito se forma”.

O cubismo analítico restringia o uso de cores a tons simples e opacos, de modo que a ênfase recaía mais sobre a estrutura. Cézanne disse: “A natureza deve ser tratada com o cilindro, a lança e o cone” (Miki, 1976). As formas pintadas deveriam ser dissecadas, analisadas separadamente e então reconstruídas para formar um novo todo.

O resultado foi uma visão intelectual, em vez de espontânea. “O objetivo do cubismo analítico era produzir uma imagem conceitual de um objeto, em oposição a uma ótica” (Harden, 1999). Por volta de 1912, o cubismo analítico atingiu um ponto em que ameaçava ir além da compreensão visual do espectador.

Nessa época, Picasso e Braque adotaram uma abordagem diferente, substituindo partes das imagens de coisas reais por signos e símbolos abstratos. No Cubismo Sintético, as escalas de tamanho não importavam mais na pintura de Picassos Os Três Músicos, a mão de um homem tocando violão teria cinco centímetros, enquanto o violão em si teria sessenta centímetros.

Uma cor brilhante e chamativa voltou. O cubismo sintético é responsável pela criação da colagem. Picasso fez a primeira colagem usando papel decorativo e palavras e imagens recortadas de jornal e partituras colocadas na madeira para criar a imagem de um violão. Outros artistas começaram a usar areia, corda e até espelhos para simbolizar as coisas.

Desta forma, o cubismo sintético voltou ligeiramente ao método convencional de representar objetos de forma realista e a forma dos objetos tornou-se mais fácil de reconhecer. O cubismo ganhou o interesse de críticos que tinham opiniões divergentes. Um crítico viu uma pintura de violino de Picasso e disse que considerava um insulto à inteligência dos espectadores esperar que acreditassem que um violino seria assim.

Daniel-Henry Kahnweiler, um negociante de arte parisiense e amigo de Picasso e Braque que apoiava o cubismo, distribuiu panfletos anunciando o “novo visual” da realidade e da arte (Robinson, 1995).

Depois de ver um retrato dela feito por Picasso, Gertrude Stein disse a ele: “Eu não sou assim”. Ele respondeu: “você vai”. Posteriormente, ela escreveu: “é a única reprodução de mim que sempre sou eu, para mim” (Schaffner, 1998). Outros artistas logo adotaram o estilo. Juan Gris foi um dos primeiros a copiar o cubismo e o trouxe para além da França, para sua Espanha natal e outros países.

Na primavera de 1911, o salão de Paris Des Independence começou a coletar as obras de pintores cubistas locais e realizou uma exposição com Jean Metzinger, Fernand Leger e Robert Delaunay. Foi a primeira grande exposição do cubismo. Durante 1913 e 1914, tantos artistas em Paris se voltaram para o cubismo que temporariamente se tornou a linguagem universal da pintura de vanguarda (Arnheim, 1984).

Artistas da China, Rússia e América do Sul aprenderam e começaram a experimentar diferentes formas de cubismo. Aaron Douglas e Stuart Davis trouxeram o estilo para a América em 1912, embora sua interpretação não fosse tão abstrata quanto o que estava sendo feito na Europa na época.

Em 1913, o Midtown Armory em Nova York sediou uma exposição que atraiu grandes multidões. O cubismo se tornou a influência dominante no mundo da arte de Nova York até 1918.

O início da Primeira Guerra Mundial marcou o declínio do cubismo na Europa. Braque e muitos outros artistas foram chamados para lutar. Depois de ser ferido por estilhaços, a pintura de Braques nunca mais foi a mesma. A guerra matou muitos dos amigos com quem Picasso colaborou. A comunidade que cercava o cubismo havia acabado. O cubismo abriu o caminho para outras novas idéias radicais na pintura.

Dada, surrealismo e art déco seguiram-se depois de 1918. Eles ainda exibiam objetos de maneira simbólica, mas em uma aparência realista e mais tradicional. Picasso experimentou novos estilos de pintura, ele experimentou o surrealismo, mas voltou-se para o estilo clássico em 1920. Picasso também começou a desenhar cenários e figurinos de teatro.

Em 1937, a Guerra Civil Espanhola estourou entre os republicanos e os fascistas sob o governo do general Franco & # 8217. Picasso foi convidado pelos republicanos para pintar um mural para o Pavilhão Espanhol na Exposição Mundial em Paris. Ele queria que o trabalho expressasse os horrores que o homem pode causar em seus semelhantes. Em abril daquele ano, aviões alemães sob as ordens de Francos bombardearam a pequena vila de Guernica, no interior de Braque, no sul da França (Schaffner, 1998).

Depois de ouvir sobre a destruição total causada pelo ataque, Picasso voltou ao cubismo e completou a peça Guernica. Recebendo a influência de Goya, a pintura mostrava os habitantes da cidade em agonia com a perda.

Ao lado, uma mãe chora por seu filho morto, enquanto no centro um cavalo está morrendo dolorosamente. Esta se tornaria sua pintura mais famosa. O cubismo redefiniu a arte no século XX.

Conseguiu dar às pessoas uma perspectiva diferente com a qual olhar para a realidade e evocou novas emoções. O cubismo estabeleceu um novo padrão para o que é aceito como uma obra de arte. “A arte não precisava mais ser esteticamente correta ou bonita para ser uma obra-prima” (Hoving, 1999).

Também preparou o terreno para outros artistas testarem novos estilos que antes seriam considerados pouco ortodoxos. O cubismo realmente incorporou a frase, "a arte está nos olhos de quem vê".

Bibliografia

Arnheim, Rudolf. Arte e percepção visual, uma psicologia do olho criativo. Los Angelas: University of California Press, 1984. Arnheim, Rudolf. Pensamento visual. Los Angelas: University of California Press, 1984. Chilvers, Ian, Harold Osborne, Dennis Farr. O Dicionário de Arte Oxford. Nova York: Oxford University Press, 1988. Hoving, Thomas. Arte para leigos. Foster City, Califórnia: IDG Books Worldwide, 1999. Miki, Tamon. O que é cubismo? O Museu Nacional de Arte Moderna de Tóquio. www.cubistic.com. 29 de novembro de 1999. Robinson, Walter. História da arte instantânea, da arte das cavernas à pop art. Nova York: Bryon Press Visual Publications, 1995. Schaffner, Ingrid. O Picasso essencial. Nova York: Harry

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Autor: William Anderson (Equipe Editorial Schoolworkhelper)

Tutor e Escritor Freelance. Professor de Ciências e Amante de Ensaios. Artigo revisto pela última vez: 2020 | Instituição de São Alecrim © 2010-2021 | Creative Commons 4.0


As 7 principais obras do cubismo.

Guernica de Picasso (1937)

Guernica estará sempre no topo da lista, a qualquer dia, a qualquer hora! É um óleo sobre tela considerado uma das pinturas anti-guerra mais poderosas da história e que ajudou a chamar a atenção para a guerra civil espanhola. Esta obra é, sem dúvida, a pintura mais popular de Picasso e # 8217, embora tenha uma forte relação com seu período surrealista, ainda está relacionada com seu estilo cubista distinto.

Garrafa e peixes de George Braque (1910-1912)

Braque retratou garrafas e peixes e em suas pinturas ao longo de sua carreira, o pintor gostou muito de pintar garrafas e peixes e esta pintura em particular que faz parte da fase analítica do cubismo contém seus dois temas favoritos. É um óleo sobre tela com um desenho muito simples e é uma das suas pinturas mais marcantes.

Retrato de Picasso, de Juan Gris (1912)

Juan Gris depois de criar esta pintura tornou-se reconhecido como um cubista estabelecido. A partir de então, sua obra foi a primeira obra cubista criada sem a influência de Braque ou Picasso. Retrata o artista Pablo Picasso ainda jovem, com os cabelos ainda presos, segurando uma paleta e vestindo um terno. Havia um nível de limpeza no trabalho de Gris & # 8217 que mais tarde seria rejeitado, pois os artistas cubistas produziram pinturas mais desorganizadas e Gris se separou com uma geometria mais sistemática.

Violino e paleta de George Braque (1909)

Este óleo sobre tela faz parte dos desenvolvimentos posteriores do cubismo, a era do cubismo analítico e um afastamento do fauvismo. A pintura é como uma natureza morta em forma abstrata e, embora o violino e a paleta sejam visíveis, eles são fragmentados e representados junto com outras formas angulares. É uma das obras mais valorizadas de George Braque e # 8217 e foi uma parte central do desenvolvimento do movimento cubista.

Les Demoiselles d & # 8217Avignon de Picasso (1907)

Esta obra, sem dúvida, viu o fim do fauvismo e estabeleceu o início do cubismo. Embora tenha sido considerado imoral e na época, nesta obra, Picasso deixou de lado a perspectiva e fez uso de um plano de imagem bidimensional dividido em fragmentos geométricos. Foi uma grande fonte de inspiração para Braque e tem sido apontada como a fonte de sua colaboração e desenvolvimento do movimento artístico cubismo.

Os três músicos de Picasso (1921)

Este é o título de duas pinturas semelhantes a óleo sobre tela de Picasso. Assume o estilo do cubismo sintético e tem o aspecto de papel recortado. Ele enfatiza cores vivas, formas angulares e padrões planos e ainda é um trabalho vitalício. É um exemplo perfeito do estilo cubista de Picasso e # 8217 e é a segunda pintura mais conhecida de Picasso. As duas versões desta pintura podem confortavelmente entrar em nossa lista das 7 principais obras cubistas, mas qualquer que seja a versão que você preferir, esta obra de arte é um verdadeiro representante do movimento cubista.

Man On A Balcony (1912) de Albert Gleizes

Por último, mas não menos importante, em nossa lista dos 7 principais trabalhos cubistas está uma grande pintura a óleo de Albert Gleizes chamada & # 8220Man on a Balcony & # 8221. Sendo também um fundador do cubismo, Gleizes demonstra os princípios do cubismo nesta notável obra de arte. O artista intencionalmente criou um contraste de formas angulares e curvas, enquanto as formas em bloco da figura e da cabeça tomam sua forma a partir do princípio do cubismo.

O cubismo continua sendo um dos movimentos artísticos mais influentes conhecidos. Ele mudou uma ampla gama de ideias no que diz respeito à arte nas décadas de 1910 e 1920. Também permitiu o desenvolvimento de movimentos de arte abstrata moderna. Desafiou as regras da arte e acabou sendo uma das maiores rupturas na história da arte.

Pegue o inovador, você também pode tentar algo novo. Talvez você esteja preso a outros movimentos artísticos e esteja procurando aprender sobre o cubismo, tenho certeza de que esta postagem foi útil.

O cubismo é uma ótima maneira de se divertir com a arte. Tudo o que você precisa fazer é deixar de lado o medo, como fez Picasso, e explorar!


Cubismo

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Cubismo, estilo de artes visuais altamente influente do século 20 que foi criado principalmente pelos artistas Pablo Picasso e Georges Braque em Paris entre 1907 e 1914. O estilo cubista enfatizava a superfície plana e bidimensional do plano pictórico, rejeitando as técnicas tradicionais de perspectiva, encurtamento, modelagem e claro-escuro e refutação de teorias consagradas pelo tempo de que a arte deve imitar a natureza. Os pintores cubistas não eram obrigados a copiar a forma, a textura, a cor e o espaço. Em vez disso, eles apresentaram uma nova realidade em pinturas que retrataram objetos radicalmente fragmentados.

O nome do cubismo deriva de observações feitas pelo crítico Louis Vauxcelles, que descreveu com escárnio a obra de Braque em 1908 Casas em L'Estaque como sendo composto de cubos. Na pintura de Braque, os volumes das casas, as formas cilíndricas das árvores e o esquema de cores bege e verde lembram as paisagens de Paul Cézanne, que inspiraram profundamente os cubistas em seu primeiro estágio de desenvolvimento (até 1909). Foi, no entanto, Les Demoiselles d'Avignon, pintado por Picasso em 1907, que pressagiou o novo estilo nesta obra, as formas de cinco nus femininos tornam-se formas angulares e fraturadas. Como na arte de Cézanne, a perspectiva é reproduzida por meio da cor, com os marrons avermelhados avançando e os azuis frios retrocedendo.

O desenvolvimento do movimento de 1910 a 1912 é frequentemente referido como Cubismo Analítico. Durante este período, as obras de Picasso e Braque tornaram-se tão semelhantes que suas pinturas são quase indistinguíveis. Pinturas analíticas cubistas de ambos os artistas mostram a quebra, ou análise, da forma. Picasso e Braque preferiam a construção em ângulo reto e em linha reta, embora ocasionalmente algumas áreas de suas pinturas pareçam esculturais, como na obra de Picasso Menina com bandolim (1910). Eles simplificaram seus esquemas de cores para uma escala quase monocromática (tons de castanho, marrom, cinza, creme, verde ou azul eram preferidos), a fim de não distrair o espectador do interesse principal do artista - a estrutura da forma em si. O esquema de cores monocromáticas era adequado para a apresentação de múltiplas visualizações complexas do objeto, que era reduzido a planos opacos e transparentes sobrepostos. Esses planos parecem mover-se além da superfície da tela, em vez de recuar em profundidade. As formas são geralmente compactas e densas no centro de uma pintura cubista analítica, crescendo à medida que se difundem em direção às bordas da tela, como na pintura de Picasso Retrato de Ambroise Vollard (1909–10). Em seus trabalhos desse período, Picasso e Braque freqüentemente combinavam motivos representacionais com letras, seus motivos favoritos eram instrumentos musicais, garrafas, jarras, copos, jornais e o rosto e a figura humana.

O interesse pelo assunto continuou após 1912, durante a fase geralmente identificada como Cubismo Sintético. Os trabalhos desta fase enfatizam a combinação, ou síntese, das formas da imagem. A cor assume um papel importante nas formas destas obras, embora permaneçam fragmentadas e planas, são maiores e mais decorativas. Superfícies lisas e ásperas podem ser contrastadas entre si, e freqüentemente materiais estranhos, como jornais ou embalagens de tabaco, são colados na tela em combinação com áreas pintadas. Essa técnica, conhecida como colagem, enfatiza ainda mais as diferenças de textura e, ao mesmo tempo, questiona o que é realidade e o que é ilusão.

Embora Picasso e Braque sejam creditados com a criação desta nova linguagem visual, ela foi adotada e desenvolvida por muitos pintores, incluindo Fernand Léger, Robert e Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes e Jean Metzinger. Embora principalmente associado à pintura, o cubismo também exerceu uma profunda influência na escultura e na arquitetura do século XX. Os principais escultores cubistas foram Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon e Jacques Lipchitz. A adoção da estética cubista pelo arquiteto suíço Le Corbusier se reflete nas formas das casas que projetou durante a década de 1920.

Os editores da Encyclopaedia Britannica Este artigo foi revisado e atualizado mais recentemente por Alicja Zelazko, editora assistente.


Pintura dos primeiros cubistas (c.1907-9)

Se pressionados, a maioria dos historiadores da arte diria que o movimento conhecido como cubismo começou em 1907 com a imagem de Picasso Les Demoiselles d'Avignon (MOMA, NY). Este trabalho marcou o início de uma fase exploratória, durante a qual Picasso e Georges Braque se uniram para estabelecer uma série de novos e importantes princípios da arte moderna.

Essa colaboração não aconteceu da noite para o dia: não foi até 1908 que ambos os artistas formaram uma relação de trabalho íntima (& quottwo montanhistas amarrados juntos & quot), com base nas ideias de Paul Cézanne (1839-1906) - especialmente conforme expresso em sua obra-prima Os grandes banhistas (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905) - o que levou à invenção do primeiro cubismo analítico (c.1909-1912) e depois do cubismo sintético (1912-14).

Les Demoiselles D'Avignon (1907)
(Detalhe)
MOMA, Nova York.
A primeira imagem cubista real de Picasso.
Composto de primitivismo completo,
misturado com geométrico fraturado
fragmentos de figuras desconstruídas.

Estrada perto de L'Estaque (1908)
Museu de Arte Moderna de Nova York.
de Georges Braque.

Como Picasso descobriu o cubismo?

Durante seu primeiro ano ou mais em Paris, Picasso trabalhou de uma maneira próxima à de Toulouse-Lautrec, mas explodindo em toda parte com inquietação, como se estivesse impaciente para mudar para uma nova direção. Isso foi seguido rapidamente por seu "período azul", que fez a transição para seu "período de rosa". But with the restlessness of an explorer or an inventor, Picasso changed again at the end of 1906 in a way that is important as an early step toward Cubism. He began to discipline his graceful figures into new sculptural forms with an imposition of decisive geometrical regularities. Evident to begin with in Lady with a Fan (1905, Private Collection), the new discipline is even more emphatic in Woman with Loaves (1906, Philadelphia Museum of Art), with its geometrical solids built firmly upon one another into a compact whole. The ovoid form of the torso is surmounted by the white cylinder of the cap, which is pierced to reveal the simplified sculptural forms of the head. The two loaves of bread rest on top of this structure like architectural members surmounting a column.

GEOMETRIC ABSTRACTION
For a guide to concrete and
non-objective art, see:
Abstract Paintings: Top 100.
For a list of important styles,
see: Abstract Art Movements.

TWENTIETH CENTURY ARTISTS
For a quick reference guide,
see: 20th Century Painters.

Woman with Loaves was painted in the summer of 1906 (despite the date 1905, added in error beneath the signature). Earlier that year Picasso had begun a Portrait of Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum of Art, New York), the American writer who had set herself up in Paris a few years earlier and had already become a major patron, proselytizer, and practitioner in the international intellectual avant-garde. After eighty sittings Picasso had wiped out the face of her portrait. Whatever the face had been like, it is obvious that in the rest of the picture Cezanne is very much present. When Picasso returned to the picture after the summer interval during which he painted Woman with Loaves, the new force at work in his art produced the masklike face which is so at variance with the Cezannesque forms that surround it. In his Self Portrait (1906, Philadelphia Museum of Art) painted immediately afterward, the masklike quality has increased, and its severe half-primitive quality has extended to the figure also.

By his own statement, in Woman with Loaves, the Stein portrait, and his own portrait, Picasso was influenced by the archaic sculpture of pre-Roman Spain. But the two portraits show that he had already discovered African sculpture also. At any rate the ingredients for Cubism were now assembled. These were: the painting of Paul Cezanne, with his concept of volume and space as abstract geometry to be dealt with at whatever necessary rejection of their natural relationships primitive art, that is, African and archaic sculpture with their untheoretical but exciting reduction of natural forms to geometrical equivalents and, finally, the intuitive genius of Picasso and the deductive mind of Braque to merge these components with dashes of several others in their search for new expressive means.

This new expression was soon to have a name, Cubism, and to be codified into a theory. But for the moment it manifested itself half formed, in 1907, in a large painting by Picasso which, although technically ambiguous, is decisively the beginning point of Cubism. A composition involving five female nudes, the traditional bathers motif, it was later dubbed Les Demoiselles d'Avignon as a joke, and has continued by that name as a convenience.

Everyone admits that these five 'demoiselles' are among the unloveliest females in the history of art, and no one pretends that Les Demoiselles d'Avignon (1907, MOMA, New York) is an unqualified success in every way, but on the other hand no student of 20th century painting denies its position as a landmark. It is a discordant picture, not only in the way it ruptures, fractures, and dislocates form with a violence that would probably have appalled Cezanne, but in the disharmony of its own parts. On the left the standing figure is hieratic in its formality, posed in a standard attitude of Egyptian sculpture. But by the time the right side of the picture is reached, this formality has given way to a jagged, swinging, crashing line, and the African mask makes its impact with full force in the grotesque faces.

As it was, the year 1907 was exceptionally stimulating for Picasso. He was in the middle of his African or Negro period (1906-7), during which he was absorbing the aesthetics of African tribal art - a process which as we have just seen culminated in Les Demoiselles d'Avignon, as well as oils like Head (1907, Barnes Foundation), Bust of a Woman (1907, MoMA, NY) and Nude (Bust) (1907, Hermitage, St Petersburg). Other vivid examples of his 'African' paintings of the time include: Woman with a Fan (1907, Hermitage, St Petersburg) and Dance of the Veils (Nude with Drapery) (1907, Hermitage, St Petersburg). In 1908, he continued with the primitivist style of Les Demoiselles, executing a number of ethnic-style works with well-modelled, angular bodies. They include: Seated Woman (1908, Hermitage, St Petersburg), Dryad (1908, Hermitage, St Petersburg), and Farm Woman (Full-Length) (1908, Hermitage, St Petersburg). Only in his mid/late-1908 works such as Amizade (1908, Pushkin Museum, Moscow) and Three Women (1908, Pushkin Museum), does the influence of Cezanne begin to emerge.

How Did Braque Arrive at Cubism?

At the start of 1907, Braque was known as a member of Fauvism, the high-fashion style of colourism which had burst onto the Parisian art world in 1905. However two events in 1907 would rapidly change his life. First, he was bowled over by the major Cezanne retrospective, at the Salon d'Automne. Second, his dealer Daniel-Henry Kahnweiler introduced him to Apollinaire and Picasso. Braque visited the latter at his studio in the tumbledown Bateau Lavoir complex in the Rue Ravignan, Montmartre, where he was profoundly impressed by Les Demoiselles. Indeed, he was so taken with it, that he abandoned Fauvism and spent the next six months working on a new picture - Large Nude (1908, Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou) - which required him to transform his whole method of painting.

Unlike Picasso, however, Braque moved directly directly from his Large Nude to more overt Cubist imagery (in the manner of Cezanne), namely his landscapes at L'Estaque. So by late 1908, stylistically he was fractionally ahead of his Spanish partner.

The developmental period of Cubism, 1907-1909, is often called its "Cezanne phase," on the basis of pictures like Braque's Road near L'Estaque (1908, Museum of Modern Art, New York), with its combination of geometrical simplification and faceted shapes. But despite the geometrics, the picture is, in spirit, anything but Cezannesque. The shapes themselves are bolder and more obvious than Cezanne's, and they have a nervousness, an insistence, a thrust, a harsh, angular movement that exaggerates the sense of vibrant life typical of a Cezanne landscape, and sacrifices to it the classical order that also permeates Cezanne's world.

Picasso and Braque: Collaboration (1908-9)

In 1908, by now both deeply intrigued by Paul Cezanne's geometric-style landscapes, Picasso and Braque set about extending their mentor's ideas. First, they completed a series of landscape paintings that were very similar to those by Paul Cezanne. Thus all natural forms were reduced to basic geometric shapes and the colour palette was predominantly subdued blues and greens. (Picasso still maintained his keenness for his warmer ochres and siennas). They painted houses in the form of 3-D cubes: Braque at L'Estaque Picasso at Horta del Ebro in Spain. It was these paintings that the French art critic Louis Vauxcelles was describing in 1909, when he used the expression 'bizarreries cubiques' - which led to the adoption of the word Cubism.

Theory of Cubism
The first treatise on the new style, entitled Du Cubisme (1912), written by Albert Gleizes and Jean Metzinger, was published in 1912, to coincide with the Section d'Or exhibition of Cubist art at Galerie La Boetie in Paris.

Conventions of Perspective Rejected

In this early phase of prototype-Cubism, Picasso and Braque utilized several technical devices to undermine the illusion of space. To begin with, they rejected all the normal conventions of linear perspective. Instead of diminishing size signifying background, perspective was rendered by means of colour: warm reddish browns were used for foreground, cool blues for background. Buildings appear one on top of the other instead of standing one behind the other. No Houses on the Hill (1909, MoMA), Picaso used similar cubic-shaped imagery for his background and foreground (houses). By rendering earth and sky in the same way, he introduced greater unity to the picture but also introduced ambiguity: after all, there was now less difference between ground and air.

Multiple Sources of Light

Another technique used by both Braque and Picasso in their early Cubist art, involved the use of different light sources. Whereas traditional pictures employ a consistent light source (to create the illusion of three-dimensional space), in Cubist canvases light appears to enter the composition from numerous different angles thus confusing the viewer as to whether shapes are convex or concave.

Greatest Early Cubist Paintings

In addition to works already cited, here is a short selected list of early Cubist pictures, executed in the manner of Cezanne, which can be seen in some of the best art museums around the world.

Georges Braque
Viaduct in Estaque (1908) Musee National d'Art Moderne.
Houses at L'Estaque (1908) Kunstmuseum, Bern.
Road Near L'Estaque (1908) Museum of Modern Art, MoMA, New York.
Large Nude (1908) Musee National d'Art Moderne.

Pablo Picasso
House in a Garden (1908) Hermitage Museum, St Petersburg.
Little House in a Garden (1909) Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow.
Houses on the Hill (1909) Museum of Modern Art, New York.
Fruit in a Vase (1909) Hermitage Museum.
Woman with a Fan (1909) Pushkin Museum.
Brick Factory at Tortosa (1909) Hermitage Museum.

Note: Picasso's most famous late Cubist paintings include: Guernica (1937, Reina Sofia Art Museum, Madrid) and Weeping Woman (1937, Tate, London).

For works by other Cubists, see Cubist Painters.

• For a list of schools and styles, see Modern Art Movements.
• For styles of painting and sculpture, see: Homepage.


Late Cubism

Art became even more abstract after 1914. Artists now began to emphasize overlapping planes and flat surfaces. Crystal Cubism, as it became, was created by artists who desperately needed to escape the realities of the Great War.

Soldier at a Game of Chess by Jean Metzinger

Though many artists continued to push through with Cubism, it started to decline after 1925. As a result of a shift towards more conservative values, artists dropped the bold colors and shapes for more conservative French styles. Today, it remains a major influence on modern art history.

Three Musicians by Pablo Picasso


Cubist Sculpture

The cubist sculpture has the same aesthetics as the pictorial sculpture and also has the same objectives, the difference is that the cubist works in three different dimensions. The sculpture is characterized by the simultaneity of the perspectives, by the intersection of the volumes, the decomposition of the forms and the new appreciation of the materials.


Listen to William S. Rubin's views, whether it was Braque or Picasso, who invented Cubism and the influence of Paul Cézanne

WILLIAM S. RUBIN: It's sometimes asked whether it was Braque who invented Cubism or Picasso who invented Cubism. And I think there's no single answer to this, in part because there's no single definition for Cubism.

Two major sources of Cubism were the Africanism of Picasso, that is, the art which Picasso had made in 1907 and early 1908 that was influenced by tribal models of art, and, perhaps even more important, the art of Cezanne. I think you could say that to the extent that you feel that Cezanne's model was the germinal element in Cubism, Braque was a little bit more its inventor than Picasso. On the other hand, it is hard to imagine Cubism ever having been created had not Picasso painted "Les Demoiselles d'Avignon" in 1907 and in one painting, so to say, swept away the whole 19th-century tradition. Moreover, Picasso made a number of pictures deeply influenced by Cezanne also. And it's very difficult to pick apart in the years 1908 and 1909 just how much it is Braque and how much it is Picasso that are responding to these things. I think we can say that what is extraordinary about it is that such elements as Africanism, so to say, the tribal type of art that Picasso leads into Cubism with, and Cezanne would seem to be totally unmixable. And yet the two fuse in some way in the crucible of the painting of 1908. And that's part of what is remarkable about the history of early Cubism.


Assista o vídeo: El cubismo, historia del arte.