Lenin Jacket Picture: Qual é a história?

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Qual é a história por trás dessa foto?

Quando essa foto foi tirada? Quem são as modelos?

Esta foto, em muitos lugares da internet, mesmo neste artigo na "wikipedia chinesa", é mostrada como um exemplo de uma jaqueta de Lenin (列宁 装). É mostrado como um exemplo de um tipo particular de moda, a Jaqueta Lenin. Aparentemente, os anos 1950 foram anos de forte influência soviética que se estendeu ao reino da moda feminina. Pelo que li, essa foi uma tendência da moda importante para a modernização chinesa.

Aqui estão as perguntas específicas:

  1. Em que ano essa foto foi tirada?
  2. Qual é o contexto desta foto? (por exemplo, moda, foto de trabalho, uniformes, artigo de notícias, foto pessoal)
  3. Quem eram as pessoas? (modelos de moda ?, funcionários ?, nomes de quadros, se possível)
  4. Foi publicado? Se sim, onde?
  5. Quando começou a circular na internet?
  6. Qual é o seu status de direitos autorais?
  7. Para onde foi tirado? Em um estúdio com cenário ou ao ar livre? Em que cidade, país?

Edit: Por favor, note que esta jaqueta, que é chamada de "Jaqueta Lenin", e Vladimir Lenin são completamente independentes, exceto pelo nome. É o nome de uma jaqueta. Também não tem relação com John Lennon dos Beatles.

Além disso, não estou perguntando sobre Vladimir Lenin ou sobre a moda feminina chinesa; o link da pergunta para o livro de Antonia Finnane fornece uma tonelada de informações sobre Jaquetas Lenin e outros tópicos de moda chinesa. Existem muitos outros recursos disponíveis. Esta pergunta é especificamente sobre esta foto específica.

Informação extra:

Esta foto mostra uma mulher com uma jaqueta lenin de cor clara, assim como esta foto. Eles mostram claramente que não é um traje de Mao. Ele fecha em uma posição deslocada do centro e tem um corte diferente e mais feminino do que um terno Mao.


Foi publicado? Se sim, onde? Quando começou a circular na internet?

A fonte mais antiga que consegui encontrar é de uma história publicada em roll.sohu.com. É uma história sobre o estilo de vida do povo chinês nas décadas de 1950 e 1960.

Para onde foi tirado? Em um estúdio com cenário ou ao ar livre? Em que cidade, país?

A história menciona um lugar chamado Nanjing, uma cidade chinesa. Não diz se foi levado para lá ou não.

Em que ano essa foto foi tirada?

De acordo com um jornal publicado pela Sociedade Coreana de Vestuário e Têxteis, foi tirada no início dos anos 1950.

Referência: Jornal da Sociedade Coreana de Vestuário e Têxteis - Vol. 39, No. 4


Quem eram as pessoas? (modelos de moda ?, funcionários ?, nomes de quadros, se possível)

O Diário ou a história citada acima nada diz sobre quem eram as pessoas.

Qual é o contexto desta foto? (por exemplo, moda, foto de trabalho, uniformes, artigo de notícias, foto pessoal)

A história detalha o contexto da foto. Além disso, Georgetown.edu tem um relatório detalhado sobre o contexto do casaco. Diz:

O casaco de Lenin era especialmente popular na China durante a década de 1950. É uma variante do terno de colarinho aberto e trespassado. Um tipo de terno semelhante era comum na Europa e se tornou uma escolha conservadora durante a primeira metade do século XX. Mas era uma nova moda quando entrou pela primeira vez na China durante a Segunda Guerra Sino-Japonesa e a Guerra Civil Chinesa.

Os russos não chamam esse tipo de casaco de “Casaco Lenin”. A palavra foi denominada pelos chineses. Porque Lenin usou esse tipo de casaco durante a Revolução de Outubro. Se apenas tomarmos a imagem de Lenin Coat como um significante, chineses e russos compartilham um sistema de primeira ordem semelhante (Allen, 42). Mas o sistema semiológico de segunda ordem (Allen, 43) é significativamente diferente.

Na Rússia, as pessoas não relacionavam especialmente esse casaco com o espírito bolchevique. Mas os chineses levantaram a imagem para mostrar respeito a certa ideologia. Acho que em algum período histórico, algumas pessoas quiseram enfatizar essa camada de significado e usar a palavra “Lenin” para nomear o casaco, o que por sua vez mudou o sistema de primeira ordem da palavra.

Link para o relatório completo.


Realismo Socialista

O realismo socialista geralmente se refere ao estilo de pintura formalmente realista e tematicamente artificial que surgiu na Rússia nos anos que se seguiram à Revolução Comunista de 1917, particularmente após a ascensão de Josef Stalin ao poder em 1924. O termo também abrange grande parte da arte visual produzida em outras nações comunistas daquele período em diante, bem como movimentos associados na escultura, literatura, teatro e música. A Rússia teve uma história orgulhosa de pintura realista como crítica social, notadamente por meio do trabalho de artistas Peredvizhniki como Ilya Repin, e também esteve na vanguarda do desenvolvimento da arte de vanguarda durante o início do século XX. Mas à medida que as realidades do domínio socialista começaram a afetar a URSS, os artistas foram cada vez mais compelidos - muitas vezes sob pena de prisão ou morte - a apresentar imagens positivas e propagandistas de líderes políticos, ícones culturais e condições cotidianas na nova república soviética. Inicialmente incorporando artistas de talento e ousadia como Isaak Brodsky e Yuri Pimenov, na década de 1940 o Realismo Socialista era um paradigma sufocante em que toda crítica política e experimentos formais óbvios foram eliminados. No entanto, continuou a canalizar as atividades de artistas, escritores e até compositores com talento técnico - a cantata de 1939 de Sergei Prokofiev Zdravitsa, composta para o 60º aniversário de Stalin, ainda é amplamente reconhecida como uma obra significativa, apesar de seu libreto descaradamente propagandista e subtextos políticos desagradáveis. Este é um dos muitos exemplos fascinantes do que acontece quando um regime totalitário tenta estender seu controle sobre todas as vias de expressão cultural.


Realismo socialista: conceitos, estilos e tendências

O modelo artístico para o realismo socialista era inflexível e estabelecido pelo estado. O realismo socialista deve ser otimista em espírito, realista em estilo e, obviamente, apoiar a causa soviética. Freqüentemente, esperava-se que as obras venerassem um herói individual da nova república, quer isso significasse uma figura de proa do estado ou, como era mais frequente, um membro das classes trabalhadoras elevado ao nível de celebridade, como Alexey Stakhanov, o recordista quebrando mineiro em quem personagem de George Orwell Boxer the Horse (de Fazenda de animais) foi baseado. Dentro dos estreitos parâmetros estilísticos e temáticos da estética stalinista, no entanto, artistas de talento e invenção continuaram a encontrar maneiras mínimas de se expressar.

Otimismo

O Realismo Socialista era necessário para apresentar uma imagem altamente otimista da vida no Estado Soviético. Esta foi a distinção crucial entre o realismo socialista e o realismo social, o movimento mais amplo que o influenciou e, em certa medida, o incorporou: o realismo social foi, em muitos casos, uma crítica veemente das condições que retratou, assim como o é o espantoso de Ilya Repin Carregadores de barcaças no Volga (1870-73). Em contraste, as dificuldades precipitadas pelo regime stalinista - e, de fato, pela guerra civil durante 1917-22 - não eram um assunto aceitável para a crítica: os artistas eram obrigados a seguir os limites em sua escolha e descrição do assunto.

Em 1928, por exemplo, Stalin lançou o primeiro de seus Planos Quinquenais, voltado para colocar toda a produção econômica sob o controle do Estado. Isso incluiu a coletivização em massa da agricultura por meio do esquema Kolkhoz, resultando em fome generalizada e queda na produtividade agrícola. Enquanto um Realista Social no estilo dos artistas Peredvizhniki provavelmente teria relatado isso, o Realista Socialista foi obrigado a exaltar as virtudes e a implementação bem-sucedida da coletivização. Requisição forçada de terra, gado e safras, fome e trauma psicológico: todas essas realidades foram retiradas de cena. Em seu lugar, encontramos paletas de cores vivas e camponeses alertas e bem alimentados que se adaptam à tarefa em mãos com indústria e autoconfiança, como na obra de Gregory Ryazhsky O Líder da Equipe Coletiva-Fazenda (1932). Por uma análise generosa, essas imagens eram aspiracionais, apresentando a vida na Rússia moderna não como ela era, mas como poderia ser, pode-se igualmente afirmar que essas obras mantiveram o verniz estilístico do realismo enquanto abandonavam a realidade como tema.

Realismo

Quando Kazemir Malevich compôs seu famoso Quadrado Preto em 1913, ele incorporou um espírito de abstração radical que estava varrendo a Rússia e o Ocidente na época. Nos primeiros dias da República Soviética, esse espírito ainda encontrou expressão, em parte porque as facções trotskistas dentro do governo continuaram a exaltar as virtudes da abstração, argumentando que a arte comunista precisava absorver as lições do experimento burguês para transcender as convenções da classe trabalhadora. , e assim se tornar 'sem classes'. Quando Stalin subiu ao poder, no entanto, qualquer nuance no debate cultural foi abandonado em favor de um pragmatismo sangrento: artistas, escultores, fotógrafos e cineastas ofereceriam imagens idealizadas de líderes políticos e culturais e da vida cotidiana na nova Rússia, no da maneira mais convencionalmente "realista" possível. O Realista Socialista teve que aprender a desenhar e pintar da vida, de uma forma altamente linear e precisa. Algumas pinturas eram tão realistas que, em certo sentido, se assemelhavam à fotografia colorida, as considerações de forma e estilo foram totalmente abandonadas.

Boris Ioganson, um dos principais artistas oficiais do período stalinista, resumiu o espírito da época afirmando que o locus da criatividade no realismo socialista não estava na técnica da composição, mas na "encenação do quadro". A declaração é inteligente e esclarecedora, mas a contradição no centro desta versão do Realismo é clara em seu uso da palavra "encenação" e é evidente em obras como a de Aleksander Deyneka Stakhanovitas (1936), que retrata a comunidade ideal de trabalhadores russos. A palavra "stakhanovita" é uma referência a Alexey Stakhanov, indicando um trabalhador incansável pela causa soviética - mais na forma de uma alegoria visionária do que uma obra de realismo. Uma procissão de trabalhadores altos, felizes e saudáveis ​​vestidos de branco aparece em frente ao Palácio dos Soviéticos, um edifício cuja construção não havia começado quando a pintura foi composta, ela começou no ano seguinte, mas foi encerrada com a invasão alemã da Rússia em 1941.

O herói

Liderando Alexander Deyneka's Stakhanovitas é o próprio Alexey Stakhanov, que supostamente estabeleceu recordes surpreendentes como mineiro de carvão em 1935, processando 102 toneladas de carvão em um único turno (foi posteriormente sugerido que ele o fizesse com uma equipe de assistentes, como parte de um exercício de propaganda encenado ) Stakhanov se tornou uma celebridade nacional, a figura de proa de um culto à produtividade que ele até apareceu na capa da Tempo em dezembro de 1935. Stakhanov era venerado como o exemplar "Novo Homem Soviético", o tipo de figura sobre cujos ombros o futuro da URSS seria construído: saudável, musculoso, altruísta e entusiasta, com uma ética de trabalho irrestrita. Heróis proletários como Stakhanov são encontrados em todas as pinturas do Realismo Socialista, de operários e cientistas a engenheiros civis e agricultores, todos incorporando o mesmo espírito de vontade individual voltado para os ideais coletivistas. Esse, é claro, era outro paradoxo no cerne do realismo socialista: que o estabelecimento de uma sociedade coletivista exigia uma veneração quase religiosa do indivíduo.

A mesma ironia pode ser sentida na descrição dos líderes do novo estado. Em um padrão repetido em culturas totalitárias ao longo do século XX, essas figuras efetivamente tomaram o lugar de ícones religiosos na imaginação pública, aparecendo em retratos monumentais e pôsteres como seres semideíficos, levando a nação adiante com a força de sua vontade e discernimento . Muito desse trabalho foi produzido por pintores talentosos como Isaac Brodsky, que no final dos anos 1920 e 1930 compôs várias pinturas de Lenin durante as fases principais da Revolução Russa, como Vladimir Lenin 1 de maio de 1920 (1927). Estes estão agora entre os monumentos mais elegantes ao culto da personalidade que cresceu em torno de Lenin e Stalin durante a era do Realismo Socialista.

Apoio ao Estado

Na década de 1930, as galerias da União Soviética estavam enfeitadas com retratos políticos, incluindo os dois grandes líderes do estado, Lenin e Stalin. Se a mensagem estatista por trás desse trabalho era aberta, a propaganda mais sutil do realismo socialista foi conduzida sob o disfarce de pinturas de gênero e naturezas mortas, que não tinham conexão explícita com temas políticos. Obras como a de Ilya Mashkov Pães soviéticos (1936) descreveu a abundância da vida cotidiana dentro do estado comunista. Mashkov retrata pães de todas as formas, designs e tamanhos, competindo por atenção sob uma decoração tradicional de milho em torno de um pão ornamental gravado com o martelo e a foice.

Os vários subtextos da imagem de Mashkov resumem alguns dos paradoxos da estética realista socialista e indicam o germe de criatividade que existia dentro dela. A concessão à arte popular russa na composição conscientemente ingênua de Mashkov reflete sua conexão com pintores radicais do período pré-revolucionário, como Mikhail Larionov, um dos artistas com quem Mashkov co-fundou o grupo Valete de Ouros em Moscou em 1910 . Este grupo foi responsável por definir muitos dos princípios associados ao Neo-Primitivismo. A sobrevivência de Mashkov como artista na Rússia até sua morte em 1944 sugere a surpreendente gama de influências estilísticas que o Realismo Socialista ocasionalmente admitia, desde que fossem canalizadas da direita direção. Ao mesmo tempo, a ironia involuntária por trás da data da composição desta pintura não pode ser ignorada: na conclusão da coletivização, que trouxe fome a vastas faixas da população rural pobre da Rússia.

Realismo Socialista fora da União Soviética

À medida que a política internacional de Stalin se tornou cada vez mais imperialista nos anos que se seguiram à Segunda Guerra Mundial, o Realismo Socialista foi exportado para os estados satélites do Bloco Oriental, novas repúblicas soviéticas que surgiram em toda a Europa Oriental nos anos seguintes à rendição das forças do Eixo em 1945. Na República Popular da Polônia, fundada em 1947, o Realismo Socialista foi aplicado como política de estado de 1949 em diante, uma linha do tempo semelhante se aplica à República Socialista da Romênia, também fundada em 1947. Como esses países estavam sob domínio político e cultural do URSS, não é surpreendente que as obras do Realismo Socialista produzidas lá mostrem pouca diferença estilística geral daquelas compostas nas décadas anteriores na Rússia, embora, novamente, indivíduos de talento e criatividade tenham sobrevivido, como Alexandru Ciucurencu na Romênia (que, reconhecidamente, foi bem estabelecido como pintor pós-impressionista antes de 1947). Obras compostas em homenagem à modernização da agricultura sob o domínio soviético, como a do pintor polonês Juliusz Krajewski Obrigado, operador de trator (1950), são uma reminiscência daqueles compostos duas décadas antes, durante a coletivização na União Soviética.

A concepção soviética do realismo socialista também inspirou desenvolvimentos culturais fora da Europa, inclusive na República Popular Democrática da Coréia (fundada em 1948) e na República Popular da China (fundada em 1949). As declarações do presidente Mao sobre o papel do artista no novo estado chinês ecoaram as de Stalin: "[toda] nossa literatura e arte são para as massas populares e, em primeiro lugar, para os trabalhadores, camponeses e soldados". Em uma política conhecida como "nacionalização da pintura a óleo", os artistas chineses estudariam as técnicas de pintura europeias para promover a variante de Mao do nacionalismo cultural stalinista.


Lenin Jacket Picture: Qual é a história? - História

A história do restaurante Ed & # 39s Warehouse em Toronto

Fique por dentro

Nas décadas anteriores, um dos restaurantes mais famosos de Toronto era o Ed's Warehouse. Localizado na 266 King Street West, não era apenas um lugar para desfrutar de uma refeição, mas também uma atração turística. Por quase quatro décadas, as pessoas o visitaram e, invariavelmente, ele fez jus à sua reputação.

No início dos anos 1960, a King Street West entre a Peter Street e a University Avenue foi tristemente abandonada. Somando-se às dificuldades estava o CP Rail Yards, localizado no lado sul da rua, onde hoje fica o Roy Thomson Hall. Transientes andando sobre os trilhos eram freqüentemente vistos nesta seção da King Street.

Apesar dessas considerações, Ed Mirvish comprou o Royal Alexandra Theatre em 1962 por US $ 200.000. Ele foi citado como tendo dito que só o valor do terreno valia mais do que o preço de compra, que incluía o teatro.

Depois de restaurar o Royal Alexandra, Ed Mirvish enfrentou o problema de não haver restaurantes de qualidade na área. Em 1963, ele resolveu a dificuldade abrindo o seu próprio - Ed's Warehouse.

Ed’s Warehouse Restaurant na King Street West em 9 de outubro de 1981. Arquivos de Toronto.

Seu nome foi escolhido porque na verdade ele estava localizado em um antigo armazém, imediatamente ao lado oeste do teatro. Ed acreditava que jantar e teatro andavam juntos como o proverbial "cavalo e carruagem", de modo que o empreendimento parecia apropriado.

As multidões que frequentavam o restaurante e o teatro traziam vida à rua. Isso não aconteceu com outros projetos inaugurados na área nos anos seguintes, como o Roy Thomson Hall (1982) e o Canadian Broadcasting Centre (1992). Esses edifícios basicamente ignoravam a vida nas ruas.

Ed finalmente abriu mais restaurantes na King Street e também construiu o Princess of Wales Theatre. Por fim, foi inaugurado o Bell Lightbox (2010), a joia da coroa que fez de King Street o bairro de entretenimento mais importante da cidade, e talvez de todo o Canadá.

No entanto, tudo começou com o The Royal Alexandra Theatre e o Ed's Warehouse Restaurant.

Naquela época, jantar no restaurante Ed's era uma experiência inigualável em Toronto. Rita Zakes, do Toronto Star, escreveu em julho de 2007 que seu ambiente era como o de um circo Barnum e Bailey. Pessoalmente, eu considerava isso "antiguidades, lixo e Victoriana enlouquecida!"

Junto com o papel de parede avermelhado, havia enormes vasos orientais, lâmpadas Tiffany, estátuas de bronze e mármore, um automóvel, fotografias antigas, fotos de inúmeras estrelas de teatro, vitrais e lâmpadas com mulheres nuas em suas bases.

A partir do momento em que o restaurante foi inaugurado, a decoração passou a fazer parte do atrativo. O melhor de tudo é que depois de jantar neste ambiente encantadoramente espalhafatoso, o Royal Alexandra Theatre ficava a apenas alguns passos de distância.

O cardápio foi pré-configurado para reduzir custos. Uma costela espessa e suculenta foi acompanhada por purê de batata, ervilhas verdes, pudim de Yorkshire e molho de carne. Pão de alho e picles de endro também foram incluídos. A sobremesa era sorvete de spumoni.

Os críticos brincaram dizendo que o cardápio era tão fácil de preparar que Ed demitiu o chef e entregou o trabalho ao manobrista. Os críticos obviamente nunca tentaram cozinhar costela.

O restaurante fez tanto sucesso que Ed Mirvish expandiu e abriu Ed's Seafood, Ed's Chinese, Ed's Italian e Ed's Folly (um lounge).

No Ed's Warehouse, os homens eram obrigados a usar paletó e gravata, exigência mantida por muito tempo depois que outros restaurantes eliminaram a tradição. No entanto, o restaurante do Old Ed's oferecia preços mais baixos e era mais casual.

Assine fora do Armazém do Ed em 9 de agosto de 1981, exibindo o menu e notificando os homens sobre o código de vestimenta. Arquivos de Toronto.

Em 1971, assinei a série de teatro Mirvish. Quando meus primeiros ingressos chegaram pelo correio, recebi dois cupons de cortesia para o Ed's Warehouse. Se bem me lembro, cada cupom tinha um valor de $ 20, que cobria todo o custo da refeição. Esses foram de fato os "bons e velhos tempos".

Na década de 1970, quando os restaurantes Mirvish estavam no auge da popularidade, eles tinham uma capacidade combinada de 2.300 lugares e muitas vezes serviam 6.000 refeições por dia. Na mesma década, a Toronto Calendar Magazine, que posteriormente se fundiu com a Toronto Life, patrocinou um concurso para determinar o melhor restaurante do distrito financeiro.

Mais de 10.000 pessoas votaram e, dos 21 restaurantes listados, Ed's Warehouse ficou em primeiro lugar. Apesar desse elogio, li online algumas análises muito críticas sobre a comida no Ed's Warehouse. No entanto, considerei a carne, que foi importada de Chicago, entre as melhores que já experimentei.

Um ano, no meu aniversário, a minha família disse-me que me iam levar para jantar, mas mantiveram a sua escolha de restaurante uma surpresa. Perguntei se deveria usar gravata e paletó e me disseram que eram desnecessários.

Quando chegamos, descobrimos que gravata e paletó eram de fato obrigatórios, pois era o Ed's Warehouse. O garçom ofereceu-se para providenciar paletós e gravatas entre os que guardavam para tais situações. Ele explicou que o código de vestimenta era necessário para evitar que vagabundos do outro lado da rua nos pátios da ferrovia entrassem no estabelecimento.

Ficamos ofendidos, pois as roupas que eles ofereciam pareciam sujas e certamente não éramos vagabundos. Estávamos usando camisas esporte recém-passadas e calças elegantes.

Então, Ed Mirvish apareceu e perguntou: "Qual é o problema?"

Ele sorriu, desculpou-se e disse ao garçom: "Acompanhe-os à mesa que foi reservada."

Gostamos muito da refeição e quando o cheque chegou, ele havia sido reduzido em 50 por cento. Ed era um homem de negócios muito inteligente e também um indivíduo de grande coração. Minha família nunca esqueceu sua generosidade.

Semelhante a todos os bons momentos, os restaurantes Mirvish finalmente desapareceram. Ed cancelou sua licença para comer em dezembro de 1999. Quando os repórteres lhe perguntaram sobre os fechamentos, ele brincou que estava cansado de lavar pratos. A cidade nunca mais foi a mesma. Este também foi o caso quando sua loja de descontos, "Honest Ed's", fechou em dezembro de 2016.

Parafraseando Ed Mirvish, "Ed's Warehouse era único. Freqüentemente imitado, mas nunca duplicado."


Janet Jackson e # 8217s Super Bowl e # 8216 Mau funcionamento do roupão e # 8217

Os shows de intervalo no Super Bowls têm se tornado cada vez mais espetaculares ao longo dos anos, e o Super Bowl XXXVIII superou todos eles. Enquanto Justin Timberlake cantava “Rock Your Body” no palco com Janet Jackson e alcançava as últimas linhas da música - “Vamos fazer alguma coisa, vamos fazer uma aposta, porque vou ter você nu até o final dessa música” - ele alcançou através de seu corpo e puxou parte de seu bustiê, expondo a maior parte de seu seio direito:

Embora a MTV, que produziu o programa do intervalo, sustentou que o incidente foi um acidente - "O rasgo da fantasia de Jackson não foi ensaiada, não planejada, completamente não intencional", disseram - alguns sugeriram que Jackson está usando um protetor de mamilo (e declarações antecipadas de que o show conteria alguns “momentos chocantes”) demonstrou que a façanha pode não ter sido tão espontânea:

As festividades do intervalo também foram interrompidas por um streaker que, ao contrário de Janet Jackson, não teve sua imagem menos do que totalmente vestida transmitida para as salas de estar pela CBS.

Em uma curiosa coincidência, fotos supostamente retratando os seios expostos da artista do intervalo do Super Bowl do ano anterior, Shania Twain, estavam circulando várias semanas antes do grande jogo:

Essas fotos foram obviamente fabricadas a partir de capturas de tela do show do intervalo do Super Bowl de 2003 - dada a atenção da mídia resultante de um seio parcialmente exposto no Super Bowl de 2004, dois seios totalmente expostos no show do ano anterior teriam sido um dos as principais (menos) histórias do ano.


McFarland, EUA (2015)

Não, o verdadeiro treinador Jim White realmente começou a treinar cross country na McFarland High School em 1980. No entanto, ele era professor no McFarland School District desde 1964, após se formar na Pepperdine University. Naquela época, McFarland era em grande parte branco demograficamente. Ele se aposentou em 2003, após 23 anos como treinador de cross country para meninos. O filme impulsiona sua chegada e posição de técnico na McFarland para 1987, o primeiro ano em que sua equipe de cross country participou e ganhou o campeonato estadual (1987 foi também o primeiro ano em que a Califórnia teve um campeonato estadual).

Jim White realmente tinha sido demitido de vários empregos anteriores de ensino?

Jim White realmente criou uma equipe de cross country na McFarland?

Não exatamente. Jim White reiniciou o programa em 1980, após ele ter sido suspenso por um ano. No entanto, ele reconstruiu os programas de cross country para meninos e meninas do zero. -Congressional Record, V. 146, Pt. 12

Jim White realmente tem duas filhas?

O verdadeiro Jim White e sua esposa Cheryl White na verdade têm três filhas, Tami, Julie e Jami. Julie e Jami são retratados no McFarland, EUA filme. Elas são retratadas como tendo 15 e 10 anos, alguns anos mais jovens do que realmente eram na época do primeiro título estadual em 1987 (as meninas estavam na faculdade na época). Todas as três meninas se formaram em educação pela Lubbock Christian University em Lubbock, Texas Tami em 1985, Julie em 1988 e Jami em 1991. -LCU.edu

As crianças realmente apelidaram Jim White de "Blanco"?

sim. Inspirado pela ironia de seu sobrenome, "Blanco" foi um dos apelidos que as crianças e suas famílias deram a Jim White. -LA Times

A McFarland High School está realmente localizada do outro lado da rua de uma prisão?

Na verdade, a McFarland High School fica bem perto do Centro Correcional de Central Valley, não do outro lado da rua. Embora seja muito próximo, Jim White provavelmente não teria uma visão clara dele da janela de sua sala de aula, já que uma rua de casas separa os campos de atletismo da escola do terreno da prisão.

O treinador White realmente seguiu os meninos de bicicleta?

sim. A 1997 LA Times O artigo descreveu-a como uma bicicleta frágil e gasta, mas não afirmou que era uma bicicleta de menina, como no filme. No entanto, semelhante ao filme, Jim White nunca havia sido corredor e usava a bicicleta para acompanhar a equipe durante os treinos.

Os irmãos Diaz foram realmente proibidos por sua mãe de competir?

O treinador White realmente ajudou as crianças a trabalhar nos campos?

sim. Para compensar o tempo que eles não podiam trabalhar nos campos devido à prática do cross country, Jim White às vezes dava seu tempo a eles ajudando-os na colheita nos campos. “Às vezes eu os ajudava a trabalhar nos campos”, diz o verdadeiro treinador Jim White, “mas o mais importante, eu praticava em um horário diferente. Se um ou dois desses meninos não conseguissem treinar às quatro horas, porque eles estão chegando do trabalho, então eu posso praticar às 6 ou 7 horas com aqueles meninos. Então eu teria dois treinos. " -KGET 17

Seus oponentes eram realmente crianças ricas esnobes que os desprezavam?

Provavelmente não. O fotojornalista local John Harte, que acompanhava a equipe na época, disse que testemunhou times opostos oferecendo genuínos apertos de mão de boa sorte. Isso incluiu membros da Bakersfield High Drillers. No mínimo, essas cenas parecem ter sido exageradas pelos cineastas.

O técnico White realmente levou o time à praia?

sim. No entanto, aconteceu um pouco diferente do que no filme. O verdadeiro treinador Jim White levou as equipes de cross country masculinas e femininas para a praia da costa central da Califórnia em Cayucos durante a temporada de 1985 (não a temporada de 1987). De fato, foi a primeira vez que muitas crianças viram o oceano. -John Harte

Eles realmente organizaram eventos de arrecadação de fundos para a comunidade?

Sim, e às vezes a família White pagava do próprio bolso por sapatos e roupas novos para o time. Em uma ocasião, a Sra. Diaz fez 200 dúzias de tamales para enviar a equipe para a Ásia. O treinador White anotou os pedidos e os entregou. -KGET 17

O treinador White resgatou Thomas Valles quando ele estava pensando em pular de um viaduto?

sim. Como no filme, Thomas Valles foi para um viaduto acima da Rodovia 99 uma noite depois que seus pais começaram uma briga horrível. “Eu estava lá. Não queria ir para casa”, diz Thomas. "Não posso dizer que ia pular, mas estava pensando na minha vida e por que algumas pessoas pulariam. De repente, vi esses faróis e era o Sr. White em seu Chevy 59." O treinador White chamou Thomas. Ele entrou na caminhonete e começou a conversar com o técnico White sobre suas dificuldades em casa. -LA Times

Danny Diaz estava realmente acima do peso quando criança?

Não. Danny Diaz não estava acima do peso, mas era o sétimo corredor da equipe. Seu desempenho na competição estadual de 1987 ajudou McFarland a conquistar o título. -23ABC News

Quantos títulos estaduais a McFarland conquistou?

o McFarland, EUA A história verdadeira apóia que a McFarland High School venceu nove campeonatos estaduais CIF da Califórnia em cross country (incluindo cinco consecutivos) e manteve uma sequência de participação no campeonato estadual por 24 anos consecutivos. Essa seqüência terminou enquanto o filme estava em produção, depois que a pequena escola foi elevada ao status da Divisão I, um subproduto de seu sucesso. Eles foram campeões de cross country em 1987, 1992, 1993, 1994, 1995, 1996, 1999, 2000 e 2001.

Todos os corredores da equipe de 1987 foram representados no filme?

Não. O diretor Niki Caro optou por omitir Luis Partida, que no filme é substituído por David Diaz. "Niki Caro queria mostrar mais família no filme, então eles me escolheram", diz o verdadeiro David Diaz, que se formou durante o ano letivo antes da conquista do primeiro título estadual. David é representado no McFarland, EUA filme junto com dois de seus irmãos, Damacio e Danny.

Muitos dos corredores do treinador White realmente foram para a faculdade?

sim. Dezenas de corredores do treinador Jim White acabaram indo para a faculdade ou para as forças armadas. Todos os sete filhos de Diaz foram para a faculdade e todos os sete voltaram para McFarland, onde vivem hoje. Muitos dos ex-corredores de White creditam a ele por inspirá-los a atingir objetivos pessoais e profissionais que, de outra forma, considerariam impossíveis (People.com) Alguns, como David Diaz, tornaram-se eles próprios professores. Thomas Valles tornou-se guarda prisional (LA Times).

O filme foi filmado em McFarland?

sim. As filmagens primárias aconteceram em McFarland, Califórnia, em 2013. Muitos dos cidadãos de McFarland eram figurantes no filme. -KGET 17

Saiba mais sobre o McFarland, EUA história verídica assistindo a entrevista com Jim White abaixo. Além disso, dê uma olhada mais de perto na família Diaz, que tinha sete filhos corridos pela McFarland.

PrepCalTrack.com conduziu esta entrevista com Jim White. O lendário ex-técnico de cross country da McFarland fala sobre como foi fazer um filme sobre sua experiência como treinador de uma equipe. Ele diz que nem tudo é verdade, mas ele está bem com isso.

Membros da família Diaz de McFarland refletem sobre seu tempo como corredores de cross country sob o comando do técnico Jim White na McFarland High School. Incluídos no segmento, intitulado "Família de Campeões de McFarland", estão Danny Diaz, filha Delia Diaz, Gabriel Diaz, Damacio Diaz, David Diaz, Diego Diaz e pai e mãe Paul e Juanita Diaz. Eles falam sobre serem inspirados a lutar por algo além da colheita nos campos. Todos os sete filhos de Diaz concorreram para Jim White e todos os sete foram para a faculdade.

O técnico Jim White (Kevin Costner) é o novo professor de educação física em McFarland, uma cidade com dificuldades econômicas no Vale Central da Califórnia, rico em fazendas. White sees the athletic potential at the predominantly Latino high school and decides to put together a cross country team. He offers the kids a chance to know what it feels like to be champions.


Naming the Zipper

The popular "zipper" name came from the B. F. Goodrich Company, which decided to use Sundback's fastener on a new type of rubber boots or galoshes. Boots and tobacco pouches with a zippered closure were the two chief uses of the zipper during its early years. It took 20 more years to convince the fashion industry to seriously promote the novel closure on garments.

In the 1930s, a sales campaign began for children's clothing featuring zippers. The campaign advocated zippers as a way to promote self-reliance in young children as the devices made it possible for them to dress in self-help clothing.


The Story Of Ravel's Boléro

Before he left for a triumphant tour of North America in January 1928, Maurice Ravel had agreed to write a Spanish-flavoured ballet score for his friend, the Russian dancer and actress Ida Rubinstein (1885-1960).

The idea was to create an orchestral transcription of Albeniz&rsquos piano suite Iberia. But on his return Ravel discovered that the orchestration rights had been granted to the Spanish conductor Enrique Arbós. Although Arbós generously gave up these rights, Ravel abandoned the idea and set about preparing an original score.

Ravel had long toyed with the idea of building a composition from a single theme which would grow simply through harmonic and instrumental ingenuity. Boléro&rsquos famous theme came to him on holiday in Saint-Jean-de-Luz.

He was about to go for a swim when he called a friend over to the piano and, playing the melody with one finger, asked: &ldquoDon&rsquot you think that has an insistent quality? I&rsquom going to try to repeat it a number of times without any development, gradually increasing the orchestra as best I can.&rdquo

He began work in July. By Ravel&rsquos standards the piece was completed quickly, in five months &ndash it had to be ready for Rubinstein to choreograph.

&ldquoOnce the idea of using only one theme was discovered,&rdquo he asserted, &ldquoany conservatory student could have done as well.&rdquo

The relentless snare-drum underpins the whole of the 15-minute work as Ravel inexorably builds on the simple tune until, with a daring modulation from C major to E major, he finally releases the pent-up tension with a burst of fireworks.

Boléro was given its first performance at the Paris Opéra on November 20, 1928. The premiere was acclaimed by a shouting, stamping, cheering audience in the midst of which a woman was heard screaming: &ldquoAu fou, au fou!&rdquo (&ldquoThe madman! The madman!&rdquo). When Ravel was told of this, he reportedly replied: &ldquoThat lady&hellip she understood.&rdquo

In an interview with The Daily Telegraph, he said: &ldquoI am particularly desirous there should be no misunderstanding about this work. It constitutes an experiment in a very special and limited direction and should not be suspected of aiming at achieving other or more than it actually does.&rdquo

Yet although Ravel considered Boléro one of his least important works, it has always been his most popular.


A Brief History of the Nickel

The nickel wasn't always worth five cents. In 1865, the U.S. nickel was a three-cent coin. Before that, “nickel cents” referred to alloy pennies.

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It turns out that even the name “nickel” is misleading. “Actually, nickels should be called 'coppers,'” says coin expert Q. David Bowers. Today's so-called nickels are 75 percent copper.

Those aren't the only surprises hidden in the history of the nickel. The story of America's five-cent coin is, strangely enough, a war story. And 150 years since it was first minted in 1866, the modest nickel serves as a window into the symbolic and practical importance of coinage itself.

To understand how the nickel got its name, you have to go back to an era when precious metals reigned supreme. In the 1850s, coins of any real value were made of gold and silver. In the event of a financial crisis—or worse, the collapse of a government—precious metal coins could always be melted down. They had intrinsic value.

But in the spring of 1861, southern states began to secede, and Abraham Lincoln was sworn in as President. Soon shells were falling on Fort Sumter in Charleston, South Carolina. America was in crisis, and so was its currency. “The outcome of the Civil War was uncertain,” says Bowers, an author of several books on coin history. Widespread anxiety led to an important side-effect of war. “People started hoarding hard money, especially silver and gold.”

Coins seemed to vanish overnight, and the U.S. Mint couldn't keep up with demand. “The United States literally did not have the resources in gold and silver to produce enough money to meet the needs of the country,” says Douglas Mudd, the director of the American Numismatic Association. “Even the cent was disappearing.” In the South, this problem was even worse. The limited supply of gold and silver was needed to purchase supplies from abroad, which meant the Confederacy relied almost exclusively on paper currency.

Minting new coins might not seem like a priority in a time of war. But without coinage, transactions of everyday life—buying bread, selling wares, sending mail—become almost impossible. One Philadelphia newspaper reported that the local economy had slowed to a crawl in 1863, citing that some storekeepers had to cut their prices “one to four cents on each transaction” or refuse to sell products outright because they were unable to get a hold of money.

Mudd puts the problem in more familiar terms. “It's like, all of a sudden, not being able to go to 7-Eleven because [the cashier] can't make change,” he says. “And if [they] can't make change, the economy stops.”

It was in this economic vacuum that the United States tried a series of monetary experiments. In 1861, the government began paying Union soldiers with “Demand Notes”—also known as “greenbacks.” Meanwhile, stamps were declared legal tender for small purchases a round metal case was developed to keep them intact. “It looked like a coin with a window on it,” says Mudd. 

Demand Notes, Series 1861, were issued by the United States in $5, $10, and $20 denominations. (National Museum of American History via Wikicommons) The term "Greenback" originated with these note, the earliest issue of the U.S. Government. (National Museum of American History via Wikicommons) The United States Demand Note was authorized by Congress on 17 July 1861 and issued on 10 August 1861. (National Museum of American History via Wikicommons)

For the duration of the war, the American economy puttered along with all kinds of competing currency. Even private banks and businesses were releasing their own notes and coins. Shopkeepers could give coins, stamps or bills as change. The war finally ended in 1865, but it took many months for precious metals to trickle back into circulation. “It's not until after the Civil War that coin production resumes at full capacity,” says Mudd.

As the United States turned its attention to rebuilding, not all metals were scarce. War production had expanded America's industrial capacity, and nickel was available in huge quantities. The advantage of nickel lay in what it wasn't. It wasn't scarce, which meant the government could print millions of coins without creating new shortages. And it wasn't a precious metal, so people wouldn't hoard it.

In fact, some cent coins had already been minted using nickel—and as one Pennsylvania newspaper pointed out, “the hoarding of them is unwise and injudicious.” There's no sense in hoarding a coin whose value comes from a government guarantee.

Only after a bizarre 1866 controversy about paper money, however, did nickel coins finally conquer everyday life. At the time, the National Currency Bureau (later called the Bureau of Engraving and Printing) was led by a man named Spencer Clark. He was tasked with finding a suitable portrait for the five-cent note. Clark's selection was a proud-looking man with dark eyes and a thick white beard. The public was not amused.

“He put his own image on there,” says Mudd. “There was a major scandal.”

Fractional Currency was introduced by the United States Federal Government following the Civil War, and were issued in 3, 5, 10, 15, 25, and 50 cent denominations. (National Museum of American History via Wikicommons)

“Clark put his own head on the currency without any authority whatever,” declared an angry letter to the New York Times. Reporting by the Vezes depicted Clark's bearded portrait as an assault on the dignity of American money. Another letter-writer chimed in: “It shows the form of impudence in a way seldom attempted before. It is not the first time, however, that men have made a strike for fame, and only achieved notoriety.”

While legislators were making speeches in Congress denouncing Clark's portrait, an industrialist named Joseph Wharton was busy prodding legislators to find an alternative to paper money. In the early years of the war, Wharton had bought up nickel mines in New Jersey and Pennsylvania, so his suggestion should come as no surprise. He wanted coins to be made out of nickel.

Two months later, five-cent notes were quietly retired. And as Philadelphia's Daily Evening Bulletin reported in May of 1866, a new coin was to immediately take its place. “The President [Andrew Johnson] has approved a bill to authorize the coinage of five cent pieces, composed of nickel and copper,” said the article. “There are to be no more issues of fractional notes of a less denomination than ten cents.”

The new coin was decorated with a shield, the words “In God We Trust,” and a large 𔄝,” surrounded by a star and ray design. That year, the government minted a whopping 15 million five-cent nickels—more than 100 times the number of silver half-dimes minted the year before.

As far as the future of the nickel was concerned, the timing was perfect. The postwar economy began to gather steam again. “The supply was there, and the demand was there,” says Mudd. “People wanted coins.”

The nickel caught on for a few reasons. First of all, after years of coin shortages, nickels flooded the economy. Nearly 30 million were printed in 1867 and 1868. “The nickel was a coin from 1866 to 1876,” says Bowers. Even after that, as dimes and quarters rose in prominence, nickels were the coin of convenience. Bottles of Coca-Cola, which entered the marketplace in 1886, cost a nickel for 73 years.

The shield nickel was produced until 1883, when it was replaced due to manufacturing issues by the “Liberty Head” nickel. The decades that followed saw a succession of new designs, starting in 1913 with the Buffalo nickel and followed in 1938 by the initial Jefferson nickel. (Ironically, during World War II, nickel was so essential for war production that nickels were produced without any nickel.) The most recent update, in 2006, revised Jefferson's image from a profile to a frontal portrait.

In the 20 th century, one other shift cemented the nickel as an indispensable coin of the realm: the rise of coin-operated machines. Nickels were the ideal denomination for vending machines, jukeboxes, and slot machines. It also cost five cents to attend a “nickelodeon”—that is, a nickel theater. (Odeon comes from the Greek word for theater.) “Nickels went into the mainstream,” says Bowers.

Nickels have come full-circle since their roots in the gold and silver shortages of the Civil War. One hundred and fifty years ago, coins made of nickel seemed convenient because they were made of cheap metals. These days, nickel and copper prices are high, and our beloved 5-cent coin costs around 8 cents to produce. Maybe it's time to bring back the five-cent note.

About Daniel A. Gross

Daniel A. Gross is a freelance journalist and public radio producer based in Boston.


What's the Meaning Behind the Obey Clothing Line?

According to its website, the Obey clothing line is a challenge to youth to "take heed of the propagandists out to bend the world to their agendas." Created by Shepard Fairey, the word obey is used as a method of reverse psychology instead of following the status quo, or "obeying," this clothing line aims to challenge youth to do the exact opposite and think for themselves.

Shepard Fairey attended the Rhode Island School of Design and in 1989, created a sticker that would later spawn the production of this popular clothing line. Working with designers Mike Ternosky and Erin Wignall, Fairey has created a variety of clothing for men and women alike.

While attending art school, Fairey worker part-time at a skateboard shop in Providence, Rhode Island. There, the artist was exposed to graffiti art and the unique styles of the skateboarding community. Along with his interest in punk rock music, skateboarding influenced Fairey's future clothing business. The Obey clothing line remains a popular apparel choice for skateboarders, and Fairey's art appeared on the cover of Transworld Skateboarding magazine in 2011.

Fairey's art was put into the spotlight during the 2008 presidential campaign in the United States when he created a red and blue portrait of future president Barack Obama titled "HOPE."


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